Maiden Voyage
O nosso barco
A exposição Maiden Voyage pode ser considerada uma exposição geracional. Com curadoria do artista Eduardo Fonseca e Silva, a exposição reúne um conjunto de obras de vários artistas a viver e trabalhar maioritariamente em Lisboa, mas também fora do país, com percursos distintos, mas que revelam uma tendência estética e conceptual bem estruturada. No contexto actual, a exposição, revela a resiliência dos artistas emergentes e a capacidade de produzir obras num momento em que é cada vez mais difícil encontrar espaços para a exibição e produção de obras de arte. Lisboa tornou-se num lugar algo hostil para as gerações mais jovens — e também para as precedentes — pelo elevado custo de vida. A cena artística lisboeta nunca foi tão extensa como agora, mas curiosamente, se perguntarmos a esta geração de artistas que se formaram há 4/5 anos e que se aproximam dos 30 anos de idade, a situação nunca foi tão instável.
A exposição Maiden Voyage está patente no espaço Buraco, um lugar gerido por artistas perto do Campo Mártires da Pátria (o nome desta praça sempre me fez sentir algo estranho), e que parte da iniciativa privada de alguns artistas, como espaço de apresentação e de aluguer de atelier/estúdios. Uma economia cada vez mais necessária, e que convive com outras formas de empreendorismo mais ou menos mediatizado, longe dos intermináveis jarros e canecas de cerâmica em tom pastel (nada contra/tudo contra). Entre os nómadas digitais, a bolha imobiliária, e o IVA (em tudo, e também com a subida na compra de obras de arte), o estrangulamento da economia faz sentir-se cada vez mais. A sustentabilidade prometida parece apenas uma ilusão.
O título da exposição, Maiden Voyage, é também o nome que se dá à primeira viagem de um cruzeiro, ou qualquer outro tipo de transporte. Os três pisos do espaço onde a exposição está instalada, funcionam com um possível navio onde várias camadas e várias narrativas acontecem simultaneamente. A exposição partiu um conjunto de ideias partilhadas entre o curador e os artistas, a primeira das quais teve em linha de conta o facto do Buraco ainda receber correio da igreja da Cientologia, e de ser um lugar de um colectivo, onde se misturam ansiedades, crenças, intenções e vontades. Da Cientologia, que tem o seu próprio cruzeiro, o Freewinds, à sua figura mais icónica, o actor Tom Cruise, passando também pela vontade de fazer uma exposição de Verão, a ideia de viagem está presente na exposição e remete para o clássico “todos no mesmo barco”, um apelo à união e solidariedade.
A primeira parte de Film Socialisme [Filme Socialismo], de 2010, do realizador Jean-Luc Godard passa-se num cruzeiro no Mar Mediterrâneo e alude a “uma crónica do tempo presente”, como escreve Joana Ascenção na folha da sala, aquando da projecção do filme na Cinemateca Portuguesa a 13 de Maio de 2021. O filme representa, de alguma forma, a Europa na viragem do século XX para o século XXI, uma Disneyland flutuante, completa de ilusões perdidas e onde todos os sonhos se projectam e onde algum tipo de socialismo ainda presente nas instituições democráticas é posto em causa pelo totalitarismo neoliberal acelerado do mercado global. No cruzeiro vemos, entre outros, o filósofo Alan Badiou e a compositora Patti Smith, bem como referências a Walter Benjamin e Balzac.
No filme de Godard, o cruzeiro representa a deriva de uma comunidade que decide estar junta naquele barco, como se o mundo todo estivesse ali, e como se aquela fosse uma organização possível para o retrato de uma sociedade. Do convés à proa do navio, são retratados níveis de privilégio, relações sociais e a força da natureza como uma constante que não podemos nunca ignorar.
O primeiro capítulo do filme mostra a multiplicidade de discursos e de formatos da própria imagem, ao utilizar câmaras de telemóvel ou câmaras de filmar de vários formatos, evidencia uma complexa aceitação dos diferentes tipos de imagem, sem estabelecer uma hierarquia. Esta horizontalidade está muito presente no cinema mais tardio de Godard. A necessidade de contar uma estória, sem a obsessão do reconhecimento que a arte e a cultura contemporânea produzida durante o século XX se definiu e dividiu em categorias de estilo. A ausência de um estilo próprio ou a tirania de um estilo determinado é posto em causa, à semelhança, posso dizê-lo por experiência própria, do que aconteceu no final dos anos 1990 e no início dos 2000.
A primeira obra da exposição (vista do exterior), se o espectador se aperceber dela antes de entrar no espaço, é uma impressão fotográfica em tamanho real da grande janela que o espaço tem para a rua. Aproveitando a transparência da impressão e a duplicidade do vidro, a artista Maria Ventura, instalou uma imagem onde lemos SPIT ON DESSERTS, que poderemos mais tarde ler dentro NO TIPS STRESSED. Na entrada da exposição (já no interior) temos as obras It’s not the high e It’s the afterglow (ambas de 2025), da autoria de Elisa Azevedo, são duas impressões fotográficas que dão o mote à exposição, são um cartão de visita ou mensagem de aviso ao navegador.
Seguimos e reparamos numa peça no final do corredor de acesso a um espaço mais privado com várias portas fechadas. O corredor tem a dramaturgia perfeita para a obra Incident Report #9 — with desserts (2025), um vídeo de 2 minutos, mostrado num monitor que se encontra colocado sob um pequeno móvel de apoio, no mesmo uma ventoinha ligada sugere a necessidade de ventilação, de renovação do ar. O vídeo está colocado no final do corredor, o que amplifica a sua intensidade, como um “trailer” para outro filme, onde vemos cenas bizarras dentro de um cruzeiro. O ritmo da narrativa é extremamente bem conseguido e as imagens, parcialmente feitas com a ajuda de IA, demonstram a grande capacidade criativa e de edição de Maria Ventura.
Subimos uns degraus para outra das salas do espaço e à esquerda encontramos o desenho a grafite sobre papel On the Waist of Giants (2025) de Guilherme Figueiredo, uma obra notável, onde várias figuras parecem esconder-se por trás de uma folha de papel representada no desenho pela ausência de traços óbvios, uma deslocação da folha de papel em branco que esconde outro desenho. A forma curiosa como se fixou o desenho à parede revela-se engenhosa.
A seguir, duas obras de Madalena Anjos, ambas em cartão e papel, uma das quais com fotocópias de impressões de cadernos de esboços da própria artista em forma de mesa que ocupa o espaço de forma muito interventiva, revelando detalhes de desenhos, escritos e possíveis projectos. O formato de mesa da escultura Display device 1 (table) (2025) foi criado e pensado através de um esquema de montagem elaborado que revela como transformar um desenho num objecto. As qualidades dos esquissos da artista expõem as anotações íntimas de um diário, bem como a soltura do seu traço e do seu pensamento. Esta proximidade criada com o espectador propõe um momento único de partilha. Numa outra obra a artista utiliza o título do icónico romance Paradise Lost de John Milton.
Maria Moderno apresenta a obra The Heart of a Platonic Pigeon (2025), uma peça de plástico translúcida suspensa no espaço que revela, através de impressões fotográficas em acetato, as asas de um pombo em formato de coração. Ao seu lado temos a segunda obra de Elisa Azevedo na exposição, a escultura Bed Rot (2025), um boneco impresso em 3D, gelatina vegetal, glicerina e resina. A escultura parece-se com um objecto encontrado e tem um lugar de quase espectador na sala a olhar as outras obras, como à falta de representação de uma figura humana, encontra-se esta quase escondida, a assombrar o lugar.
No fundo dessa sala, vemos de novo a impressão fotográfica de Maria Ventura, desta vez enquadrada pela rua e pela movimentação do exterior. Em diálogo com esta obra, pode ver-se a obra em vidro colorido e solda, tipo vitral, Seer (2025) e F-ilm (2025), uma película de filme 35mm à qual o artista juntou lentes de contacto que ampliam a imagem, mostrando um círculo feito de estrelas. Estas três obras fazem um conjunto bastante coeso na exposição.
Saímos da sala e voltamos ao corredor/entrada do espaço, para de imediato descer à cave do Buraco. Aqui notamos a obscuridade propositada do espaço e percebemos que entrámos na casa das máquinas do cruzeiro. Este espaço cria um bom contraste com a cenografia do espaço da parte de cima e tem um ambiente bastante mais imersivo, havendo até um paralelismo entre os dois lugares pela repetição de obras de David Leal, da mesma série.
Nesta sala inferior, encontramos um conjunto de três esculturas em aço inoxidável e lâmpadas de LED, com o título alma mater (2024), de Guilherme Curado, que iluminam parcamente o espaço. As esculturas de linhas finas cruzam o espaço e são adornadas por lâmpadas na ponta, como se as linhas tivessem sido cortadas revelando, assim, a sua luz interior. As obras de Curado revelam uma prática delicada e muito concisa, numa exploração de materiais e temas menos óbvias mas muito interessantes. No fundo da sala, encontramos duas obras de Guilherme Figueiredo, a escultura On the Shoulders of Giants, e o desenho a pó de carvão de uma mão gigante sobre a parede intitulada On the Feet of Giants (2025), que lembra a marca da mão de Leonardo DiCaprio no vidro embaciado do carro, no filme Titanic. Antes de subir as escadas, para voltarmos à superfície, somos interpelados pela escultura Ladydivers (2025), de Inês Farah Gomes, um plinto quadrangular com impressões de mulheres mergulhadoras debaixo de água.
De volta ao andar térreo do Buraco, penso de novo no filme de Godard e no facto curioso de quando este filme estreou no cinema (2010) estes artistas se encontrarem no final da sua adolescência. Não sei se o terão visto, mas a sensação com que fiquei desta exposição foi que a metáfora do cruzeiro se assemelha à forma como o filme tenta criar uma ideia de viagem, de comunidade, e de um ritual de passagem. Encontramo-nos à deriva neste planeta, fruto de uma viagem feita de acasos brilhantes e guerras maléficas, mais ou menos conscientes do lugar que ocupamos, a tentar superarmo-nos nesta existência estética do mundo que ignora os problemas mais mundanos, do alto da sua ignorância natural. Somos os argonautas, como diz Maggie Nelson, movidos pelo desejo, pelas amizades, pelo amor, em busca de um lugar para o nosso corpo.
Pedro Barateiro (n. 1979, Almada, Portugal) realizou exposições individuais no Kunsthalle Münster, CIAJG, CRAC Alsace, Fundação Carmona e Costa, Rialto6, P/////AKT, Basement Roma, REDCAT, Museu Coleção Berardo, Kunsthalle Basel, Kunsthalle Lissabon, Lumiar Cité, MARCO Vigo, Museu de Serralves, entre muitos outros. Participou em exposições coletivas como a Vilnius Biennial of Performance Art 2023, 13ª Bienal de Sharjah, 20ª SESC - Videobrasil, 11ª Bienal de la Havana, 29ª Bienal de São Paulo, 16ª Bienal de Sydney e 5ª Bienal de Berlim. As suas performances têm sido apresentadas em várias instituições como Centre Pompidou, ENSBA, Théâtre de la Ville de Paris e Fondation Ricard, Cinema Batalha, Teatro Rivoli, TDMII, Teatro Praga e Teatro São Luiz, entre outros. Editou vários livros, incluindo a monografia How to Make a Mask, (Kunsthalle Lissabon/ Sternberg Press), The Artist as Spectator e É só uma ferida (Documenta/ Mousse Publishing). Barateiro organiza eventos e exposições na Spirit Shop. Em 2020, Juntamente com um grupo de artistas, iniciou a primeira associação de artistas visuais em Portugal: AAVP.
O autor escreve de acordo com a antiga ortografia.
Maiden Voyage, vistas da exposição no Buraco, Lisboa, 2025. Fotos: Eduardo Fonseca e Silva e João Bragança Gil. Cortesia dos artistas e Buraco.