Musa paradisiaca: Arlequim
Lagrimoso vale, vida doce e concórdia
A fragilidade não é apenas um estado físico ou emocional, mas uma condição estrutural da existência humana. Nesse sentido, o cuidado não é apenas uma resposta a essa fragilidade, mas uma forma essencial de existir em relação e em rede. Cuidar do outro implica reconhecer-lhe valor, pelo que a vulnerabilidade não deve ser encarada como algo a ser superado, mas como uma condição que exige atenção, compromisso e solicitude[1]. Enquanto forma de estar no mundo que não nega a fragilidade, o cuidado é o elemento transformador que nasce de estruturantes e preciosas dinâmicas de colaboração.
De natureza híbrida e multidisciplinar, as obras de Musa paradisiaca transitam entre a instalação, a imagem, a performance e o objeto. Com um percurso sólido e diversificado, no qual se incluem diversas residências artísticas, refletem um método de trabalho firmado exatamente na colaboração, no diálogo e na interinfluência criativa. A prática colaborativa, desde sempre essencial à obra artística desta dupla, e através da qual resultam projetos desenvolvidos com outros artistas, escritores ou curadores, revela um trabalho profundamente ligado à reflexão sobre questões da linguagem, da identidade e da construção de significado que decorre desse estado de abertura ao outro. Podemos perceber que o afeto, a capacidade de afetar e ser afetado, está na base destas dinâmicas de colaboração e criação, pois implicam um estado de atenção, permitindo que algo se desloque, se adense e ganhe novos contornos. Esse exercício, ou melhor, essa predisposição é reveladora da dimensão relacional na obra da Musa paradisiaca: a partilha, a confiança e a transformação.
Com curadoria de Antonia Gaeta, Arlequim, é a mais recente exposição da dupla na Galeria Quadrado Azul, no Porto. Arlequim, personagem clássica da Commedia dell’Arte dá título a esta exposição por ser símbolo da impermanência da existência e da fluidez na sua superação e reinvenção. Enquanto personagem-arquétipo assente no caos cómico, representa a astúcia necessária à sobrevivência, ligando-se para isso ao improviso, à irreverência e à liberdade. De caráter mutável, é igualmente representativo da dualidade e da metamorfose, refletindo e expondo a complexidade humana, a vulnerabilidade e a inevitável teatralidade da vida. Através de diferentes suportes, pintura, vídeo e escultura, Eduardo Guerra e Miguel Ferrão expõem o cuidado, a efemeridade e a crença enquanto parte integrante de uma reflexão sobre a fragilidade da vida, a sua inevitável transformação, a memória e a transitoriedade.
Recorrendo pela primeira vez à pintura, Laço Onze, Doze, Nove e Treze, pertencem a uma série recente de pinturas a óleo concebidas a quatro mãos no atelier dos artistas, num estreito diálogo de continuidade e cumplicidade. Quase como blueprints de vitrais, os laços coloridos que ocupam a totalidade da tela, evocam o gesto a par de uma dimensão conceptual que se prende com o próprio caráter simbólico do elemento retratado. Enquanto metáfora para o enlace de vínculos afetivos e emocionais, para a importância das conexões e da reciprocidade, neste contexto, pode, por outro lado, ser também visto como um elemento distrativo e que potencialmente mascara ou esconde erroneamente a crueza da realidade. Num contraponto imagético, (POV), um conjunto de vídeos apresentados em pequenos écrans, convocam a aproximação do espectador. Como brechas digitais, em dispositivos cuja escala abrange a tecnologia que é percebida quase como uma extensão do humano, estes vídeos mostram narrativas sob a perspetiva do protagonista da ação. Égua, Dentes, Perna e Casa de banho explicitam dinâmicas de cuidado, afeção e atenção que expõem a dimensão unificadora da experiência humana. Uma auscultação visual do real que simula um prolongamento do corpo, sobre a qual se estabelece acesso através dos olhos do outro, que se tornam agora os do espectador. Como uma janela de intimidade, na qual inevitavelmente se desfaz a hierarquia entre quem observa e quem é observado, estabelece-se uma potencial experiência de empatia e reconhecimento. Este reconhecimento não é apenas racional, mas envolve uma dimensão afetiva, onde o sujeito se deixa afetar pela condição do outro.
Neste movimento de aproximação e afastamento, surge, ao centro da galeria, Estrado Queimado. Uma escultura-instalação que pressupõe a ação de um corpo que mais uma vez se transfere potencialmente para o do espetador. A performatividade inerente a esta obra, assim como os vestígios deixados pela sua interação (o carvão da madeira queimada espalha-se pelo chão da galeria), sublinham a impermanência e a transitoriedade. Por outro lado, este elemento parece reforçar igualmente uma certa ideia de teatralidade. Atendendo à personagem do Arlequim, cada gesto, cada movimento e cada expressão é uma afirmação de vitalidade, resistência e presença, assim como uma forma de marcar o mundo. Nesse sentido, a teatralidade pode ser entendida enquanto prova de vida, uma forma de afirmar a existência através da performance, da visibilidade e da memória. Igualmente a linguagem, assim como o ato performático do discurso torna-se um gesto artístico tanto quanto uma forma de resistência cultural. Cena de Caça, um filme que retrata uma narrativa ficcional entrecruzada com uma performance de Caustrino Alcântara, em São Tomé e Príncipe, aborda a tensão entre sagrado e profano. Num discurso emocional, é recriada e adaptada uma oração cristã, na qual são sobrepostas intenções e pedidos individuais. A par dos inúmeros simbolismos e complexidade deste filme, ressalta uma certa ambivalência entre uma ideia de espiritualidade e a uma necessidade de transcendência.
Este jogo de duplicidades parece estar igualmente presente em Mãos, uma escultura em bronze, à escala humana. Num gesto de abertura e recolhimento, parecem pressupor um outro corpo ou a ideia de uma outra entidade a quem se dá ou de quem se recebe. Colocadas verticalmente na parede, com a palma da mão assente na outra, poderão ser a rogação, a celebração, ou o recebimento da dádiva já pedida por Alcantâra.
Sob um olhar sempre atento e como resposta ao reconhecimento da fragilidade da existência, Musa paradisiaca apresenta uma importante reflexão sobre a raiz do afeto, a impermanência, a vulnerabilidade e a capacidade de adaptação. Um enlace entre o que é explícito e permanece implícito, e que cabe agora a cada um decidir, entre ser aquele que observa e aquele que participa do cuidado.
Carolina Quintela (1991), curadora. É licenciada e mestre em Escultura pela Faculdade de Belas Artes de Lisboa, e pós-graduada em Curadoria e Programação das Artes pela Universidade Católica Portuguesa. Desde 2015 que se dedica ao desenvolvimento de projetos curatoriais, investigação e produção de textos. É Curadora e Investigadora do MACAM: Museu de Arte Contemporânea Armando Martins.
Musa paradisiaca: Arlequim. Vistas gerais da exposição na galeria Quadrado Azul, Porto, 2025. Imagens: Filipe Braga. Cortesia Musa paradisiaca e Galeria Quadrado Azul.
Nota:
[1] Para Ricœur, o cuidado, a fragilidade e o afeto estão ligados pela ética relacional, onde o reconhecimento do outro como vulnerável e digno de atenção se torna um princípio fundamental. A solicitude, solicitude, apresenta-se como um elemento essencial da ética, que se manifesta num afeto voltado para o outro.