Entrar em Greenhouse é mergulhar num testamento vivo à capacidade de resistência e interligação. Este ambicioso projeto coletivo pensa a ecologia (a partir de "oikos", do grego antigo, que significa "lar") da casa, do lar — que é, como diz ao teóricao Gayatri Spivak, um sítio onde não precisamos de nos justificar perante estranhos. Trata-se de um espaço construído para o encontro; um espaço em que as biografias e relações pessoais das três autoras do Pavilhão Português configuram o ponto de partida para a criação de um refúgio. No ano em que Portugal celebra o 50.º aniversário da Revolução dos Cravos de 25 de abril de 1974, responsável pelo fim da ditadura fascista que havia regido o país durante quatro décadas e que então procurava derrotar os movimentos de libertação das colónias, é de ressalvar o importante sinal de alento que a representação portuguesa na Bienal de Veneza transmite, constituindo-se por um coletivo oriundo da diáspora africana.

Transpondo o hermetismo do espaço expositivo e a sacralidade da obra de arte, um jardim crioulo, que abriga um arquivo vivo, uma escola e assembleias, reestrutura a participação portuguesa na Bienal de Veneza em sua sexagésima edição, que decorre entre abril e novembro deste ano. Uma concepção transdisciplinar, GREENHOUSE é um projeto idealizado a partir do alinhamento de diferentes áreas do conhecimento artístico, por Mónica de Miranda, Sónia Vaz Borges e Vânia Gala. Dos princípios da transversalidade e da solidariedade radical, a representação nacional elaborada coletivamente entre uma artista visual, uma investigadora e uma coreógrafa oblitera certas hierarquias — entre curador e artista, natureza e cultura, pensamento e prática —, e aponta para aquilo que se pode imaginar como uma proposta artística para o futuro.

Oscar Murillo’s Together in Our Spirits at Fundação de Serralves—Serralves Museum of Contemporary Art brings the artist’s aesthetic investigations to Portugal for the first time. The show marks a decade of the long-term public work Frequencies (2013–2023), which serves as both entry and conceptualisation of the exhibition journey. Bordering community art, the work has the strongest connection to the early investigations that first got the artist famous, with big groups of people entering his practice as makers, creatives, and participants through what he calls the “working-to-work” process.

Dozie Kanu’s Preenchendo Vazios—Filling Voids in English—is refreshing in its contemporaneity and emotional subtlety. Exhibited at Espaço Lumiar Cité in northern Lisbon, it is a social statement of new materialism infused with an acute understanding of its context both locally and beyond. With sculptural works informed as much by art as by installation and interior design, the pieces are stacked to the brim with multi-directional references neatly compiled into a minimalism of the artist’s earlier practice. Above all, Preenchendo Vazios speaks a visual language that feels very now—a leap beyond postmodern sculpture in the expanded field.

I can always grow up again. This thought solidified in my mind after visiting the group exhibition Lettera d'amore, curated by Alberta Romano at the Kunsthalle Lissabon, which featured works by the artists Alice dos Reis, Tamara MacArthur, La Chola Poblete, Laure Prouvost, Giulio Scalisi, and Inês Zenha, all of whom had previously been invited to the institution for a solo show. It's the first of a series of three group shows this year curated by three different curators—Alberta Romano, Yina Jiménez Suriel, and Filipa Ramos—as the Kunsthalle Lissabon pauses its regular programme of solo exhibitions to celebrate the fifteenth anniversary of the institution. I can always grow up again.

Unfolding material connotations, social codes, and the impermanence of human-made objects or interventions, Gonçalo Sena’s art practice has a magnetism that feels as grounded as it does conceptual. In person, the artist is as generous and softy direct in his speech as the visual poetics felt in his work. Seeing his art has the same effect as listening to him describe his practice: constantly searching for the exact gestures and welcoming multiple viewpoints. Throughout his work, philosophical poetics and context sensitivity shine through in accepting the impermanence of all things and artistic explorations of temporalities.

Igor Jesus’s Time Machine, originally titled Papagaio (Parrot), opened on 28 March 2024 amidst unprecedented weather conditions in Lisbon. At or around the same time Igor was testing the sound of the mixed-media sculpture, the curators stamping away bite-size information pamphlets in the Ping Pong room of Antecâmara, and audience members getting ready to step out into what was assumed to be the end of winter rains, motorists had spotted a “potential tornado” crossing the Vasco da Gama Bridge. This immensity went unnoticed by most who were engulfed in the opening. The hours before, a sacred time for curators and artists alike, is a long-standing moment of rituals, nervous break-downs, revelations, and disagreements, all of which, some may argue, feed the effect of the showing.

Está uma bela manhã de sábado. Sento-me num terraço com vista sobre os telhados de Lisboa, e finalmente encontro o tempo para começar a escrever este texto. Já tentei algumas vezes, mas nunca me senti na disposição adequada — no estado emocional que me permitisse mergulhar a sério nisto. "so much to do / so much to feel / so much to be / so much to love / so much to enjoy / so much to devour and to be devoured" [tanto para fazer / tanto para sentir / tanto para ser / tanto para amar / tanto para desfrutar / tanto para devorar e ser devorado], como escreve o João Motta Guedes num dos três poemas que fazem parte da sua exposição individual No feeling is final, patente na Galeria da Boavista, com curadoria de Luís Silva. É sobre essa exposição que este texto fala. Há tanta vida a ser vivida todos os dias, e "A day is not so short even though it is not so long" [Um dia não é assim tão curto, ainda que também não seja assim tão longo], como aponta o artista. Embora não tenha conseguido escrever uma única palavra nestes últimos dias curtos e longos, a exposição não me saiu da cabeça. No feeling is final. O que é que isso significa — para mim, para nós, para a vida, para a forma como deve ser vivida?